Natalia Solomonoff y Helga Arias: dos compositoras que trabajan en procesos de creación colectivos y participativos

30 de julio de 2022


Las invitadas del X Encuentro Internacional de Compositores tendrán una destacada participación en proyectos que involucran a los intérpretes e incluso al público en el proceso mismo de creación. Aquí, hablan de las claves de este nuevo concepto de autoría que está dejando atrás, a su juicio, la figura romántica, autoritaria y decimonónica del creador.

El Encuentro Internacional de Compositores UC vuelve a darle visibilidad a la creación musical femenina en su décima edición. El evento bienal ha invitado a dos compositoras extranjeras que tendrán una destacada participación en este encuentro que se realizará desde el lunes 1 hasta el viernes 5 de agosto.

Obras de ambas fmúsicas ueron programadas para el concierto inaugural, que se efectuará el lunes 1 de agosto a las 19 horas en el Auditorio del Centro de Extensión Oriente (Jaime Guzmán 3.300). El acceso es liberado, previa inscripción aquí, y se transmitirá además en streaming en directo en musica.uc.cl. En ese concierto, el Ensamble Taller de Música Contemporánea, que dirige Pablo Aranda, ofrecerá el estreno absoluto de la obra Frágil (2022) de Natalia Solomonoff, y el estreno en Chile de A common sense of self (2002) de Helga Arias.

Las dos compositoras ofrecerán conferencias plenarias en el Auditorio del Instituto de Música UC: “La limitación como desafío y posibilidad”, por Natalia Solomonoff, el lunes 1, y “El compositor como facilitador de interacciones colaborativas”, por Helga Arias, el miércoles 3. Además, Solomonoff se referirá a su experiencia y la escena de la música contemporánea en Rosario, donde vive, y en Argentina, en una conferencia de extensión que dictará el viernes 5 a las 12 horas en el Departamento de Música de la UMCE (José Pedro Alessandri 774, Ñuñoa). Todas estas actividades son con entrada liberada y sin inscripción previa.

Además, ambas músicas trabajarán intensamente con colegas chilenos en distintos proyectos que tienen una característica muy especial y que marca el sello de la actual edición del encuentro: la creación colectiva.

Natalia Solomonoff: “El trabajo colaborativo es otra forma de concebir la música que, para mí, como compositora, suma y enriquece”

La compositora argentina Natalia Solomonoff, en tanto, trabajará codo a codo con el Ensamble Taller de Música Contemporánea UC puesto que la obra que ese conjunto estable del Instituto de Música UC estrenará en el concierto inaugural del encuentro plantea una partitura abierta. De esta manera, los intérpretes deben tomar una serie de decisiones para completar la obra, en forma participativa, siendo así parte del proceso creativo.

Natalia Solomonoff.

“Para mí es un enorme placer, un gusto enorme poder trabajar con el ensamble Taller de Música Contemporánea, son enormes músicos, sumamente talentosos y de excelencia. Hacer un trabajo conjunto con ellos va a ser una experiencia sumamente enriquecedora para mí”, comenta desde Rosario.

Usted ya ha participado en el Encuentro Internacional de Compositores, ¿cierto?

“He tenido la oportunidad y estoy muy agradecida con Pablo Aranda, el ensamble y la UC por la invitación. Estuve en 2014, y en aquél entonces interpretaron mi pieza Raunächte. Fue un trabajo riquísimo, hicieron una excelente interpretación y una grabación”.

¿Cómo es trabajar con una partitura abierta, y cómo funcionará esta partitura con el Ensamble Taller de Música Contemporánea UC?

“En mi trabajo yo abordo los procesos colaborativos con intérpretes de distintas maneras. En el caso de Frágil, la idea es trabajar con un proceder activo y creativo, o sea de co-creación con la pieza, por parte de los músicos. Son nueve bloques donde la materia sonora se va transmutando, va haciendo una transición entre bloques más compactos en cuanto a sonoridad, hacia algo más etéreo y que se difumina a lo largo de todo el proceso de la pieza.  El título refleja esto, y particularmente la fragilidad implícita en el trabajo grupal, conjunto, en el desarrollo o en el abordaje de los procesos creativos con la materia sonora”. 

La construcción grupal se trabaja en torno a estos nueve bloques polifónicos. Ahora, cada bloque tiene partes distintas y allí se proponen campos armónicos, texturas y acciones instrumentales. ¿Cómo es este ejercicio con los intérpretes? 

“Es una propuesta semi abierta, donde están los campos armónicos y hay algunas sugerencias de acciones instrumentales. Son nueve bloques, cada uno propone acciones diferentes y texturas que se van a ir conformando de manera distinta. Son todas polifónicas, pero dentro de esas polifonías hay algunos bloques que son más heterofónicos, o sea con mayor independencia entre las acciones instrumentales dentro de ese ámbito, otros que son por ejemplo con duraciones de sonido y silencio, donde dentro de esas duraciones habrá que acordar qué es lo que quiere hacer cada uno de los intérpretes. Va a ser riquísimo el intercambio con los intérpretes para ver qué sugerencias tienen y acordar juntos”.

Natalia Solomonoff.

¿Cuán vigente está, a su juicio, el concepto de coautoría, el ejercicio de creación colectiva en el ámbito de la música clásica? ¿Cómo es para usted, como compositora, el hecho de que cada vez que se interprete por ejemplo su obra Frágil, será distinta?

“Hoy en día se está desarrollando mucho este tipo de trabajos colaborativos, donde la figura del compositor o del autor tiende a desaparecer o, mínimamente a modificarse. Entonces la idea de construcción conjunta, de trabajo, de intercambio, de interacción y de diálogo con un otro, y con los otros, se abre, y eso enriquece ambas partes. Inclusive en el sentido del diálogo intercultural, donde las historias personales y las escuchas e interpretaciones previas enriquecen la producción. Es otra forma de concebir la música, el arte, más allá de la composición, que abre otro campo de posibilidades para todos. El producto va a ser siempre diferente en cada interpretación, y eso aporta, permite nuevas escuchas, renovadas cada vez, y muy diferentes resultados. Para mí, como compositora, eso suma. Y es opuesto a la figura del genio creador, tan romántica y tan del siglo XIX”. 

Helga Arias: “Hoy en día los compositores más jóvenes, y también los intérpretes, ya no se sienten siempre cómodos con la etiqueta de 'el compositor', y su rol jerárquico”

La compositora española Helga Arias, quien reside largamente en Suiza, se encontrará físicamente con su colega chileno Cristian Morales-Ossio, profesor del Instituto de Música UC, el mismo lunes 1, para iniciar un proyecto conjunto que incluirá, además, a intérpretes, estudiantes e incluso público general interesado. Se trata de la performance e instalación sonora Espacios que Suenan, que se trabajará en forma colectiva a lo largo del encuentro, para materializarse en una performance el jueves 4 de agosto, a las 16:30 horas.

Helga Arias. Foto: Marco Arias.

“Será la primera vez que vaya a Chile, pero varios compositores que han participado en el encuentro me han hablado de él. A Cristian Morales no le conozco todavía personalmente, ya hemos tenido contacto a través de video-llamadas y lo que sí conozco es su trabajo, tanto su vinculación con la electrónica, como otro ámbito que ambos tenemos en común, que es el trabajo sobre relaciones colaborativas y participativas, donde se involucra a los intérpretes en la creatividad de una pieza que puede ser, por ejemplo, una instalación sonora. A los participantes se les insta, pues, a formar parte de la creación del material sonoro. Esos son los puntos de partida sobre los que vamos a basar la performance del jueves 4 de agosto”, explica desde España la compositora Helga Arias.

Hablemos de Espacios que Suenan, la instalación-performance que desarrollará usted con Cristian Morales-Ossio.

“Va a ser una performance que tiene elementos de electrónica, sobre todo en lo que se refiere a la difusión en el espacio, es decir, las cosas no ocurren donde se genera el sonido, sino que luego se espacializan en distintos lugares, por una parte. Por otra parte, en el procesamiento en vivo del material que se genere, el cual se grabará en distintas estaciones sonoras que estarán repartidas en distintos lugares del Campus Oriente. Por otra parte está el tema de la composición participativa y colaborativa; lo que tenemos en mente es trabajar en los workshops que se van a realizar anteriormente a esta performance, es decir, durante toda la semana que tenga lugar el encuentro. Por ejemplo, en el workshop que dirigiré yo, tengo planteado trabajar con los alumnos de composición conceptos sobre cómo generar material sonoro de manera colaborativa. Tocaremos varios temas, por ejemplo, el uso de objetos sonoros, por ejemplo, que no tienen por qué ser instrumentos musicales, así como el medio por el cual se establece la comunicación con el intérprete, que puede ser la partitura, pero en este caso vamos a explorar otro tipo de medios, como por ejemplo la video-partitura y la partitura gráfica. Todo esto lo estamos trabajando con Cristian”.

Entiendo que todo se irá trabajando en función del espacio físico y las posibilidades de recorrido, y que otro elemento fundamental en este proyecto es la interacción con los intérpretes y los participantes que se pudieran sumar, quienes también podrán participar en el proceso creativo, ¿no?

“Exactamente. Habrá distintas estaciones sonoras donde se generará este material, y muchas veces las personas que están participando en una de estas estaciones sonoras no saben lo que está ocurriendo en otro lugar, pues porque están lejos y aislados, no se escuchan los unos a los otros, entonces nuestro papel será coordinar y entrelazar lo que va sucediendo en los distintos espacios para crear una performance total”.

Helga Arias. Foto: Marco Arias.

A su juicio, ¿existe en los últimos años un énfasis particular en la ampliación del concepto de autor, con la incorporación de procedimientos de creación colectiva, por ejemplo, cuando los intérpretes también participan en la creación de una obra? ¿Hay hoy día un concepto más amplio de lo que es la creación artística musical? ¿Se han movido los límites?

“Sí, totalmente. Además, creo que es un tema muy actual y muy importante que hay que tratar: De hecho, yo hablaré durante mi presentación sobre algunos de estos aspectos, la autoría múltiple y los conceptos colaborativos. Hay muchos musicólogos que afirman que incluso en lo que se refiere al análisis de compositores como Beethoven o Mozart, esto siempre ha sido así:, que en realidad la imagen del genio compositor, aislado, nunca ha existido como tal, sino que es una construcción casi romántica, sobre todo a partir del Romanticismo. Se cree que lo que ha ocurrido es que después de la imposición de algunas escuelas, como la francesa, después de la Segunda Guerra Mundial, otra vez se volvió un poco a la figura autoritaria del compositor, por ejemplo con Pierre Boulez, a partir del Serialismo sobre todo, pero en paralelo siempre ha habido corrientes y figuras compositivas como John Cage y Pauline Oliveros en Estados Unidos, que se han contrapuesto a esa visión de la hegemonía del compositor en la autoría. Es un tema muy interesante que hoy en día se está desarrollando de manera más natural, sin tener que establecer luchas entre escuelas. Hoy es todo mucho más heterogéneo. Me parece que esto tiene muchísima importancia porque hoy en día los compositores más jóvenes, y también los intérpretes, ya no se sienten siempre cómodos con la etiqueta de 'el compositor', que tiene cierto rol jerárquico y un cierto poder, mientras el intérprete es un mediador. Son aspectos muy actuales que espero puedan interesar a los jóvenes estudiantes”.

El acceso a la instalación sonora Espacios que Suena es liberado y no se requiere inscripción previa. Habrá cuatro estaciones sonoras y el punto de encuentro para el recorrido es el Patio de la Biblioteca del Campus Oriente (Jaime Guzmán 3.300).

 

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